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コードを使用した伴奏法 YOASOBI 群青

楽譜印刷用 (表示されている楽譜はこのリンクから、まとめて印刷できます)
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YOASOBI-群青-1

YOASOBI-群青-2

YOASOBI-群青-3

YOASOBI-群青-4

コードを使用した伴奏法 King Gnu 白日

コードの覚え方

1. Major Triad : メジャー・トライアード(長3和音)

2. Minor Triad : マイナー・トライアード(短3和音)

3.Diminished : ディミニッシュ・トライアード(減3和音)

  Augmented : オーギュメント・トライアード(増3和音)

4. コードの連結 3和音 (Major Triad と Minor Triad)

5. 3和音で演奏できる曲

4. Major 7th : メジャー・セヴンス(長七の和音)

5. Minor 7th : マイナー・セヴンス(短七の和音)

6. Dominant 7th : ドミナント・セヴンス(属七の和音)

7. Minor 7th ♭5 : マイナー・セヴンス・フラットファイヴ(導七の和音)

8. Diminished 7th : ディミニッシュ・セヴンス(減七の和音)

9. コードの連結 4和音(Diminished 7thを除く)

10. 4和音で演奏できる曲

ジャズ理論 分析問題

各種のコードが特徴的に使われている実際のスタンダード曲で、分析と解説をしていきます。
分析が慣れるまでは以下の手順で分析してみてください。
(慣れてきたら曲の冒頭から順に分析できるようになります)


-1 ドミナント7thコードを中心に分析して矢印や、カギ括弧を書き込む
-2 転調の有無を確認
-3 ダイアトニック コードの分析をする
(あきらかに転調と分かる部分は一緒に分析してしまう)

②  残ったコードの中から、さらにドミナント7th を中心に分析して
   Sed.D・Ext.D・Sub.D・SFD、それに付随されるRelコードの分析をする

③  さらに残ったコードに対して、M.I.・Dimコード等で分析します

④  レフトハンドヴォイシング(ピアニスト用)とコードスケールを書き出します。
  ※LHVは慣れるまではコードスケールから基本の4音の形で出してください。
   そこから曲想やメロディの高さに合わせ、音を抜いたりして微調整します。

上記と同じ分析の仕方なのですが、もう少し細かく説明しているのが、こちらになります。
ジャズ理論のページを、まとめているページにも載せてあるものです。

※  下記の分析は、あくまでも可能性の一つです。分析には、いろいろな解釈があり、同じ曲の演奏中に、途中から解釈(スケールやコードの響き)を変えることは、よくあることです。以下の分析は、私の考える「これが一番素直な考え方かなぁ」というのを基準にあげておきました。もし、ご自分で出された分析が私の分析例と、違っていても、即間違いではありません。

分析問題

①  まずはハ長調、転調なし(解釈では転調ありにもなりうる)
  Take The “A” Train  分析例  印刷用  

②  短調の曲の分析 転調あり(平行調)
   Beautiful Love   分析例  印刷用

③  5つのセカンダリードミナント(要するに全種類!)が出てくる曲
   If I Were A Bell   分析例  印刷用

④  エクステンディッドドミナントとリレイティッドコードが出てくる曲
   Scrapple From The Apple   分析例  印刷用

⑤  サブスティチュートドミナントが出てくる曲
   One Note Samba  分析例  印刷用

⑥  スペシャルファンクションドミナントが出てくる曲
   The Girl from Ipanema  分析例  印刷用

⑦  モーダルインターチェンジコードが出てくる曲
   The Man I Love  分析例  印刷用

⑧  ディミニッシュコードが出てくる曲
   Someday My Prince Will Come  分析例  印刷用 

印刷用  分析問題 全問題と解答

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1. Major Triad(長3和音)

1-1-1 基本形     半音進行

1-1-2 基本形     4度進行

1-1-3 基本形     5度進行

1-2-1 第1転回形   半音進行

1-2-2 第1転回形   4度進行   

1-2-3 第1転回形   5度進行

1-3-1 第2転回形   半音進行

1-3-2 第2転回形   4度進行

1-3-3 第2転回形   5度進行

1-4-1 転回

1-4-2 分散和音(アルペジオ)

1-5-1 コードの連結 Ⅰ-Ⅳ-Ⅰ-Ⅴ-Ⅰ 基本形スタート

1-5-2 コードの連結 Ⅰ-Ⅳ-Ⅰ-Ⅴ-Ⅰ 第1転回形スタート

1-5-3 コードの連結 Ⅰ-Ⅳ-Ⅰ-Ⅴ-Ⅰ 第2転回形スタート

1-6-1 コードの連結 4度進行 基本形スタート

1-6-2 コードの連結 4度進行 第1転回形スタート

1-6-3 コードの連結 4度進行 第2転回形スタート

1-7-1 コードの連結 5度進行 基本形スタート

1-7-2 コードの連結 5度進行 第1転回形スタート

1-7-3 コードの連結 5度進行 第2転回形スタート

ヴォーカルジャムセッションにおいてヴォーカリストが必要なスキル「4+ α 」 +α「フェイク スキャット アレンジ等を駆使して演奏を膨らますことができる。正しい状況判断によって演奏を仕切ることができる」について

(演奏を)脹らませる

個人的な意見ですが、ジャズヴォーカルの演奏で度々見受けられる、◎ヴォーカル(前テーマ)⇒ ピアノソロ ⇒ ベースソロ ⇒ ピアノとドラムの4バース ⇒ ヴォーカル(後テーマ)の形式が、あまり好きではありません。正直、演奏者も、「あ、次俺?」みたいな感じで、まるでカラオケの順番待ちのような気分になっていると思います。私としてはヴォーカルが、テーマの後フェイクコーラスやスキャット等を行い、演奏を盛り上げて「こんだけ盛り上げたんだから。後よろしくね!」的な気持ちで次の演奏者に渡すのが音楽的な行為だと考えています。

例えば伴奏がピアノトリオの場合

1コーラス  ヴォーカル 前テーマ

2コーラス  ヴォーカル フェイク(又はスキャット)  

3コーラス  ピアノソロ

4コーラス  ベースソロ

5コーラス  スキャットとドラムソロによる4バース

6コーラス  ヴォーカル 後テーマ

このように演奏することによって、演奏の半分以上の時間をヴォーカルが演奏していることになり、それはまた演奏をしっかりと支配(演奏の中心)していることにもなります。上の下線部の構成とは音楽が大きく変わってくることが想像できると思います。

フェイク

近所で行われていた野外フェスティバルでジャズヴォーカルの演奏を聴いていた時の話です。演奏されていた方は知らない方だったのですが、とても良い演奏をされていました。「マジですか?」と思うほどフェイクのメロディーラインも良い演奏でした。と、同時におかしなことも起こっていました。それは、こんなに良い演奏をしているのにも関わらず演奏者がみんなクール(いや、淡々と、、、かな)なのです。あれだけ良い演奏をしていたら少しは顔に笑みがこぼれてもよさそうなものなのですが・・・ (ここからは私の憶測になります)その理由として考えられうのは、そのグループは一緒に演奏されることも多く、その曲も今までに何度も演奏してきて、その美しいフェイクのメロディラインも何度も聞いてきたのかな?そう考えると演奏者の淡々とした表情にも納得できます。

フェイクの言葉の定義は、いろいろあるようですが、おそらく上のケースも一般的にフェイクと表現されると思います。ようするに事前にオリジナルメロディーとは別のメロディラインを用意しておくわけです。私はこれを、よくないと考えています。この状況をたとえて言うならインストのアドリブで最初から演奏が決まっている(アドリブが決まっていたらアドリブではない!)ようなものだと思っています。多くの楽器奏者は、どんなに下手くそでも、最初から自分のアドリブを演奏します。ヴォーカルだって、それで良いじゃないですか、、、ヴォーカルのみなさんもやってみませんか?即興演奏でのフェイク。

ちなみに私のフェイクの定義は
「オリジナルのメロディーラインでは表現しきれない気持ちを(フェイクメロディーに)乗せたもの」です。

ちなみに、その2)楽器の人間はアドリブをガンガン演奏するので、テーマはわりと普通に演奏することが多いです。(歌詞(言葉)がないので、あまりにも崩してしまうと何の曲だか分からなくなってしまう)ですので、本当にセンスの良いフェイクラインを聴くと、自分がそんな演奏が出来ないので単純に「お~スゲー」と思ったりします。

スキャット

これも単純に私の好み(お勧め)を言わせてください!
スキャットには2種類あると思います。一つ目は「聞かせるスキャット」これは楽器と同じように1コーラスまるまるスキャットを行うパターン。二つ目は、主に4バースなどで使うスキャット。これは主にドラムとのやり取りが多いと思いますが、これはどちらかと言えば、スキャットは(その瞬間の)演奏のメインではなく、「ドラムソロを引き出すための手段」とも考えられます。

お勧めは、この二つ目の方です。中でも4バースはスキャットは4小節ごとですから、まあ、頑張れば1フレーズ、ないし2フレーズ。転調の激しい曲を選ばないように気をつけて、よく周りの音を聞きながら調性の音階にリズムをつけてスキャットすることは「意外と何とかなるものだ」と経験上感じています。大事なのは、あくまでもこれは「ドラムソロを引き出すための手段」と割り切ってしまうことです。それと「自転車を転ばないで乗れるようになりたい!」というのは無理な話なのと一緒で、ある程度は失敗をして恥ずかしい思いをしてしまうのは、しょうがないことと考えてください。ぜひスキャット試してみてください!絶対に楽しいと思いますよ。

「踊るアホーに、見るアホ―。同じアホなら踊らな損々。ドゥ~ワ~」

アレンジ

ここで言うアレンジはリズムについてです。(厳密にはコードを変えたりするのもアレンジですがセッション的に演奏するのは難しいので省きます)

アレンジで分かりやすい(受けが良い)のは元曲とは真逆のリズムで演奏することです。

元がテンポが遅い曲なら速く、速い曲なら遅くです。

ジャズでスタンダードチューンとして演奏されている曲の中には、もともとは遅い曲だったのに、なぜだが理由は分からないけどジャズでは早く演奏するのが一般的なイメージという曲が幾つかあります。これは一番最初は、元曲と真逆のイメージで演奏していたのに、いつのまにか(いろいろな人がそのアレンジで演奏しているうちに)そちらがジャズの中では定番のイメージになってしまった。ということだと思います。

ぜひ 「次の定番アレンジ」を目指して、いろいろと試してみましょう!

アレンジとして元曲のイメージとは真逆のリズムを使うというのを説明しましたが、もう一つのアレンジ方法として、微妙な差を表現するというのもあります。

Annie Lennox – Georgia On My Mind (Live)

この演奏をお聞きください。彼女はローリング・ストーンの選ぶ歴史上最も偉大な100人のシンガーにおいて第93位だそうです(恥ずかしながら私は彼女のことを知りませんでした)ジャズの一般的なこの曲のイメージとは大きく違います。彼女の場合は、おそらくこれを作りこんだアレンジとして演奏していると思います。これを「ジョージア、4分打ちで演奏してみない?」的なノリで即興的にセッションでやってみると面白いと思います。もちろん、その時に「伴奏が変わるだけで歌はあまり変わらない」というのは、あまりよろしくないので、フェイクをガンガン使って、その変えたリズムによる新しいイメージに添えるようなフレーズが出して演奏者を引っ張りできたら最高に楽しいと思いますし、それがジャズの醍醐味だと思います。ぜひ試してみてください!

正しい状況判断の習得法

イントロの数、ソロのまわし方、後テーマの戻る場所、曲の終わらせ方(エンディング)等、ジャムセッションにおいて、これら構成について、必ずしも曲ごとに決まっているわけではありません。その曲の構成(形式)や、その時に演奏する形態(トリオなのか、カルテットなのか、はたまたデュオなのか?)によって、またそのジャムセッションの主催者(会)の意向(そのグループが大事にしていることは何なのか?)によって大きく変わってきます。演奏の途中でも自分の描いていた青写真通り進まないこともよくあります。(例えば後でドラムとスキャットで4バースを行おうと考えていたのに、ベースが自分のソロを飛ばしてドラムのコーラスソロに回してしまった…など)いろいろな条件や音楽の流れ等をトータル的に考え適切な判断が出来るようになるには、それなりの知識や経験が必要になりますので、一つ一つそれらを積み重ねていってください。

また他の人が演奏している時も、自分が演奏している時と同じように「自分だったら、こういう判断をする」など想像しながら聞いてみてください。もしその想像と実際の演奏が違った場合は、「なぜ違ったのか?」(自分の想像と実際の演奏が違っても、全く問題ない場合と、問題がある場合両方あります)間違っててもいいので、とりあえず一度自分なりの答えを出してみてください。その後もし可能でしたら、その場にいるセッションに慣れた人に確認してみてください。(人に聞く前に一度自分なりに答えを出すことは、とても大事です!)その一つ一つの体験のみが、セッションに対するノウハウの習得法だと思います。

ヴォーカルジャムセッションにおいてヴォーカリストが必要なスキル「4+ α 」その4「エンディングが作れる演奏や身振りで指示できる」について

ジャズの演奏の場合、エンディングはイントロ同様、「この曲には、このエンディングで」というのは、ほとんど決まっていません。ほとんどのケースの場合、曲の最後の方の一部を2~3回繰り返すなどして終わったり、割合的には少ないですが、繰り返し等せずに、そのまま終わったりします。また通常のジャムセッションでは、演奏する前にエンディングを、どうするか?は説明しない(説明する必要がない)のが、ほとんどです。これは多くの場合、エンディングの選択肢は多くても3択程度なので、その中から、どれを選んだのか?を伝えるの方法は、その場での演奏などで十分表現できるからです。またジャムセッションでは「〇〇(曲名)を〇〇のリズムで演奏してみない?」的な、その場のノリでアレンジを決めて演奏したりすることも珍しくないので、そのような時は即興的にエンディングをつけられるスキルは必要になってきます。ただしセッションでは、ある程度「エンディングは無事に終われればオッケー」的な面はあると思いますので、そんなに難しく考える必要はないかと思います。

注意)同じ曲でもリズムが違うとエンディングは当然違ってきます。(イントロにも同じことが言えます)

代表的なエンディングパターン
① コーラスの29~30小節目を3回繰り返す(1コーラス32小節の場合)

② ラスト4小節を2~3回繰り返す(通称逆循)

③ 繰り返ししないで1回で終わる 

どのパターンも インテンポのまま最後まで演奏したり、最後だけリタルダンドをかけたり、最後の音をみんなでバシッと合わせたりする(通称 カットアウト)など、終わらせ方にも幾つかのバリエーションがあります。

注意事項
②の場合、繰り返す時にメロディーを上げて「繰り返しますよ~」というメッセージを伝え、終わる時はメロディーを元に戻して短くスパッと終わる場合が一番多いパターンだと思うのですが、曲よっては、2回目も3回目もメロディーは変えず、最後(3回目)だけメロディーを上げて終わるなどいうパターンもあります。(少しづつ覚えていくしかないと思います)

よくヴォーカル方がエンディングで指を2本立てて、エンディングの回数を伝えようとしていることがあります。ただ、これは「あと2回」(合計3回)なのか。全部で2回繰り返すのかが分からない場合がほとんどです。結局は演奏者はフレーズを聞いて判断していますので、指での「2回」サインはあくまでも、添え物的なものと考え、しっかりとフレージングで伝えられるようになってください。

エンディングについて明文化することは、まずできないと思いますので、(実際のところ、法則性が、あるような、ないような、、、)習得法は、一つ一つセッションなどで試しながら、なんとなく「これかな?」と思えるようになるまで経験をひたすら積んでいくしかないと思います。